Sunday, January 31, 2010

In The Realms of The Unreal:The mistery of Henry Darger (Jessica Yu 2003)



Henry Darger






“Los hombres mas fuertes son los mas solitarios”
Ibsen

“No me enorgullecía de mi soledad pero dependía de ella”
Charles Bukowski

Cuando se tiene un mundo interior extenso, se depende de la soledad para sobrevivir y la realidad no es satisfactoria para cubrir las necesidades, las partes mas extremas de los seres humanos, hacen explotar la imaginación y la creatividad para mantenernos vivos o poder sobrevivir a esa realidad no satisfactoria, ¿el precio? ,tal ves la inversión entera del tiempo de tú vida.

Henry Joseph Darger, es un artista “outsider” de la ciudad de Chicago que vivió toda su vida como un ermitaño, encerrado en un mágico universo infantil creado por el mismo ,una novela de 15 000 paginas llamada “The realm of the unreal”, en el que podía tener el control total sobre sus personajes como las “vivian girls”, siete angélicales niñas, que eran hermanas y que encabezaban una rebelión contra los abusos infantiles de los humanos y gracias a esto vivir con ellos las fascinantes aventuras en las que solían estar inmersos sus personajes.

“In the Realm of the Unreal” (2003) es un prisma de testimonios desde diversas aristas sobre el trabajo y vida de Henry Darger, donde una voz narrativa infantil como la de Dakota Fanning nos introduce en el mundo de este singular artista. En este documento cinematográfico, Jessica Yu, intenta familiarizarnos con su historia, filosofía de vida , su increíble trabajo artístico y su contexto cotidiano.

Con animación de las obras de Darger y la música de Tom Waits este documental es una buena forma de conocer a alguien al que solo se le conoce un amigo real y tres fotos de su persona durante toda su vida.

http://www.henrydarger.info/
http://es.wikipedia.org/wiki/Henry_Darger

Wednesday, January 27, 2010

Estética del Ruido # 9 ...el giro negro de la radio



"Cuanto mas conflictivo se vuelve el terreno politico, cuanto mas represivo, mas valiosa se vuelve la imaginación"
Jim Jarmusch

Su Congal sonoro de confianza abré de nuevo sus puertas con una nueva temporada.

Dedicado a la imaginación...hasta la victoria siempre


Lectura: Fragmento"Junky" William S. Burroughs Editorial Anagrama 1997 Barcelona
Track/Artist/Cd/Label

“Gangbang”/Flying Lotus feat Gaslamp Killer/warp records spring compilation/warp records
“Our enemies have watches but we have time”/Dj Rupture&AndyMoor
/Patches/Unsuitable records
“I wanna be your bicycle saddle”/The Acid Mothers Temple/Have you seen the other side of the sky?/Ace Fu records
“#0010”/Rioji Ikeda/Test Patern/Raster Music
“Ne Siam Kurve Tuke Sijam Prostitutke”/Goran Bregovic/Karmen (With A Happy End)/Universal int
“Malungo”/Chico Science&NaÇao Zumbi/CSNZ/
“Little cry for me”/Hermeto Pascoal/Slave Mass/collectables
“Deus odeia samba rock”/Satanique Samba Trio/Misantropicalia/Amplitude
“Fabriquedecoleurs”/Odot Lamm/My favorite/things/Active Suspensión
“Lovely Alien”/Holy Fuck/Lp/XI recordings
“Horiwari”/Merzbow/Merzzow/Opposite
“Ergo Bibamus”/Corvus Corax/Cantus Buranus

Sunday, January 24, 2010

Extraen música del caos



"Sound is everywhere.It is anything , and whatever we think is interesting,sound,we belive to collage ir together...but dont take so seriously what were doing"
Yamamoto (the Boredoms)

A propósito de la Estética del Ruido...

Texto de Jesús Pacheco publicado hoy para "El Angel", sección cultural del periódico Reforma.


Ciudad de México.- Los compositores han expandido el campo de los sonidos disponibles para ser usados en la música, muchas veces con resultados ruidosos, que al principio pueden sonar desagradables, pero que pronto se convierten en agradables para el oído.


Así, la música de hoy está llena de lo que solía llamarse ruido, elemento que ha tomado fuerza en la creación musical, ya que provoca placer en un público interesado en el caos, lo desconocido, lo diferente, asegura el teórico Caleb Kelly, autor de "Cracked Media. The Sound of Malfunction", libro que se ha convertido en una referencia para el estudio de la música electrónica.


Kelly creció en Dunedin, una pequeña ciudad de Nueva Zelanda que, durante los años 80, tuvo una escena vibrante de música independiente que giraba en torno a un sello discográfico: Flying Nun Records.


"La música era estruendosa, y de alguna manera se trataba de puro pop ruidoso", asegura Kelly.


En aquellos años empezó a escuchar música alternativa, un hábito que se le desarrolló mientras estudiaba historia del arte en la universidad. Tras terminar la maestría, dio con Oval, un grupo que se movía en los terrenos de la música electrónica y basaba su estética en el sonido de un disco compacto mal leído por el láser.


"De verdad me gustó la idea de que algo tan poco apreciado y áspero como el sonido de un disco compacto mal reproducido pudiera ser transformado en música hermosa y placentera", explica.


En ese momento se le volvió obsesión escuchar todo tipo de música basada en la falla, el riesgo y los sonidos poco gratos. Escuchó a Merzbow, Keiji Haino, electrónica como la de Autechre y mucho minimal techno.


"Todos esos tipos de música parecían producidos a partir del error, y decidí que investigaría la historia de esa práctica en la música y el arte".
Descubrió que había muchísima gente experimentando con una estética que llegaría a ser llamada glitch, se dijo a sí mismo que alguien debía darse a la tarea de documentar esa exploración sonora y se propuso contribuir a darle un lugar en la historia de la música del siglo 20. Así nació "Cracked Media. The Sound of Malfunction" (The MIT Press, 2009), el libro que ha sido catalogado por el compositor estadounidense Kim Cascone como lectura indispensable para cualquier persona interesada en la música electrónica, ya bien como escucha, ya bien como creador.


En sus páginas, Kelly disecciona el papel del sonido en la historia del arte moderno y posmoderno, con ejemplos que van desde los silencios y las indeterminaciones exploradas por el estadounidense John Cage a la frialdad sonora de los errores digitales que incorporaran a su obra el japonés Yasunao Tone o el alemán Markus Popp en su proyecto Oval.


¿Por qué algunos músicos aprecian tanto el ruido, ese extremo opuesto a la melodía?


Un elemento clave de la música experimental del siglo 20 es la expansión del sonido. Los compositores expandieron, literalmente, el campo de los sonidos disponibles para ser usados en la música.


Eso incluía técnicas ampliadas y preparadas. En el libro, considero medios intervenidos los instrumentos preparados (como un disco compacto con pedazos de cinta adhesiva encima) y la técnica ampliada (como hacer sonar una tornamesa en lugar de un disco).


Muchas de esas técnicas producen resultados ruidosos, que al principio pueden sonar desagradables, pero pronto se vuelven interesantes para el oído. Y también podemos ver el ruido de manera política...


Paul Hegarty, autor de Noise/Music. A History, argumenta que el ruido es un juicio sobre el sonido, que lo que alguna vez fue ruido puede volverse aceptable e incluso ser visto como música y que, en varios sentidos, la idea del ruido es similar a la idea de lo vanguardista. ¿Qué opinas?


Es todo un tema lo del ruido como juicio. Algo que yo encuentro aceptable podría no serlo para ti; es ruido para ti y música para mí. Mi asunto es que aquí parece que la misma cosa es tanto ruido como música. Y no puede ser. Tan pronto el ruido se vuelve música, deja de ser ruido por definición.


Me pregunto si hay cosas que puedan mantener su calidad de ruido. La noise music japonesa, especialmente la de Massena, fue concebida para ser ruido inaceptable, nada más. Aún así, muy rápido empezaron a editar discos que la gente escuchaba en casa y se volvieron proyectos buscados internacionalmente. La música era consumida como una mercancía, y con ello, toda su postura política se perdió. Cuando escuchamos música hoy, está llena de lo que solía ser llamado ruido, pero ese ruido ha sido despojado de su poder y ahora es un poco más que efecto.


¿Por qué algunos artistas descomponen o destruyen equipo de audio en su obra?


Hay numerosas razones para descomponer o romper cosas en nombre del arte. La destrucción es productiva, crea algo nuevo, algo inesperado, o quizá algo político. Los pianos han sido destruidos de numerosas maneras. Esos objetos tienen tanto un valor monetario como un valor simbólico (la alta cultura, la música educada, etcétera...), así que esos músicos han hallado productivo destruirlos.


La destrucción de equipo de audio es otra versión de lo mismo. Una de las ideas que discuto en el libro es que una vez que un objeto es dañado o que un disco es rayado, se vuelve más fácil rayarlo, o cortarlo o incluso destruirlo. Este proceso puede ocurrir un paso a la vez. El artista escucha ese primer rayón; la explosión que provoca cuando se toca. Desde allí, podría preguntarse cómo sonaría si otro rayón estuviera al lado; de hecho, ello crearía un rítmico golpeteo... Algunos productores de minimal techno han usado esos fragmentos para crear canciones enteras.


Quizá el músico encuentra viejos viniles y tornamesas, o las compra muy baratas. Los objetos no valen mucho, y el músico puede experimentar rompiéndolos, algo que quizá no harían con equipo de reproducción nuevo y caro.


De todas esas maneras, los medios intervenidos crean algo único a partir de medios que ya existían.


Desde tu punto de vista, ¿cómo será el futuro de la música?


No puedo ver el futuro, pero actualmente, la música parece cada vez menos ruidosa, más segura. La nueva generación está más interesada en repetir el pasado que en tomar riesgos para descubrir lo nuevo.


Desde tu punto de vista, ¿cuál es la contribución más importante de cada uno de los artistas que estudiaste en tu libro (Nam June Paik, Milan Knizak, Christian Marclay, Yasunao Tone, Nicolas Collins, Oval)?


Todos ellos han ampliado, de una manera u otra, nuestra comprensión de lo que la música y el arte pueden ser. Nam June Paik llegó a ser bastante conocido por su videoarte, pero también por sus composiciones y por Fluxus. Knizak tomó su colección de discos y la "remixeó" destruyéndola. Christian Marclay es un artista muy conocido que trabaja entre la música y el arte, y cuya obra siempre está relacionada de alguna manera con la música. Yasunao Tone también es un artista de Fluxus que, cuando el movimiento desapareció, halló una forma de hacer música a partir de alterar discos compactos, un tipo de música noise extremo que todavía hoy suena intenso. Oval hizo música pop a partir de alterar CDs y, como yo suelo decir, encontró belleza en algo que no habríamos creído.


Ya han sido usados en la cultura pop esos descubrimientos y experimentos de los artistas que estudiaste. ¿Dónde los has visto últimamente?


En estos días he estado escuchando una canción de Modest Mouse, que tiene como fondo un ruidoso sonido generado por computadora. El sonido se parece mucho a los creados a finales de los 90. Es claro que muchos de los sonidos utilizados por artistas del glitch se han convertido en estándares del rock y del pop. Eso es muy interesante, pero como ya te dije, es una versión despolitizada. Esos sonidos ruidosos ya no tienen el poder que tuvieron en los 90.


¿De dónde viene el placer de escuchar ruido?
Del caos, de lo desconocido, de su poder, de su diferencia...

Estética del error
"Es el error el que guía la evolución; la perfección no ofrece incentivo para mejorar", escribió a finales de los 90 el novelista Colson Whitehead. Y una buena parte de la experimentación que ha tenido lugar en las últimas tres décadas en los terrenos del arte sonoro y la música contemporánea pareciera guiada por esa aseveración.


A principios de los 90, el grupo alemán Oval se dio a la tarea de crear música pintando la superficie de los discos compactos, provocando reproducciones alteradas de las grabaciones; y en el caso del japonés Yasunao Tone, la pintura era sustituida por fragmentos de cinta adhesiva con orificios. Ambos estaban utilizando el error para revelar nuevas lecturas.


Compositores como László Moholy-Nagy, John Cage o Milan Kníþák habían explorado ya el potencial creativo del mal funcionamiento de los equipos de audio, alterando los sistemas o destruyendo discos de acetato.


Hoy, nombres como Taylor Deupree, Autopoieses, immedia o Nobukazu Takemura forman parte de una ola reciente de hackers sonoros que se han propuesto explorar la estética del error, integrándose así a una lista que crece exponencialmente.

http://www.opver.com.mx/opv/index.php?option=com_content&view=article&id=52786:extraen-musica-del-caos&catid=74:cultural&Itemid=170

Sunday, January 17, 2010

Shockheaded Peter &other songs from The Tiger Lillies (Carol Stein 2006)







Había una vez, un trío de músicos británicos que tocaban en bares de baja estofa en el undergorund londinense, sus canciones descritas por el vocalista y líder de la banda Martyn Jaques, quién vivió varios años en el Soho al lado de vagabundos,junkies,freaks y demás personajes, son una combinación de music hall, cabaret, punk y música gitana con un humor negro y retorcido.

Un buen día, este trío londinese se encuentra con un libro para niños clásico y muy exitoso en la literatura alemana del siglo XIX llamado “Struwwelpeter” (Shockheaded Peter) creado Heinrich Hoffmann, el cual adaptan bajo su macabra ideología, montando un pequeño espectáculo que los llevaría a viajar y tocar por todo el mundo dejando el underground inglés.

Hace unos años, los Tiger Lillies se presentaron en este país en el Teatro de la ciudad, en el marco del Festival del Centro Histórico, con su música de cabaret obscura y terrorífica lograron llenar el recinto haciendo una mítica la presentación.

“Shockeheaded Peter& other songs fron the Tiger Lillies” es un pequeño documental sobre una de sus presentaciones en Nueva York , con algunos testimonios de los miembros del grupo , que tras mas de 10 años de contar historias espeluznantes , tocar en todo tipo de lugares y frente a audiencias de lo mas diversas con un solo hilo conductor que involucra la disfuncionalidad , lo bizarro , el cabaret y el humor negro, logran hacer de un cuento para niños una de sus peores pesadillas.
http://www.tigerlillies.com/





Leningrad Cowboys:Total Balalaika Show rockumentary (Aki Kaurismaki 1994)







Conocí al grupo Finlandés “Leningrad Cowboys” hace ya varios años gracias a las películas del magnífico director Aki Kaurismaki (Leningrad cowboys go America(1989) y Leningrad Cowboys meets Moses 1994) y me hice aficionado a esta disparatada banda de copetudos.

Lo que me empuja a escribir hoy sobre ellos, es un divertido “rockumental” que acabo de adquirir llamado “Total Balalaika show (1994)” que consta de un concierto filmado en Helsinki, por el propio Kaurismaki, ante mas de 70 000 personas para conmemorar las paz entre dos paises, Finlandia y Rusia durante la guerra fria, ya que en esta ocación los Leningrad Cowboys se encuentran acompañados por un grupo ruso llamado “Alexandrov ensamble”.
http://www.leningradcowboys.fi/
http://en.wikipedia.org/wiki/Aki_Kaurismäki
http://thepiratebay.org/torrent/4198827/Total_Balalaika_Show_(Aki_Kaurismaki__1994)



Friday, January 15, 2010

The Archive (Sean Dunne 2009)




"I was talking to a guy the other day who was triying to convince me thats cds were better than vinyl because they have no surface noise.And I said "listen mate life has a surface noise".

John Peel

God bless vinyl records...

The Archive from Sean Dunne on Vimeo.



www.veryapeproductions.com

Thursday, January 14, 2010

Dave Chappelle´s Block Party (Michel Gondry 2005)







“Life is funny and unpredictable”
Dave Chapelle

Dave Chapelle es un famoso comediante afro-americano conocido por una película ya clásica del cine de color y la marihuana llamada “Half Baked”(1998).
Nativo de Ohio y fanático del hip -hop decide dar una pequeña fiesta concierto en Nueva York, concretamente en Brooklyn, invitando a las personas de su vecindario, de la cuadra y a unos viejos amigos entre los que se encuentran Mos Def, Common , Kanye West,Talib Kweli, Jill Scott, Erykah Badoo, Dead Prez, The Roots y The Fugees

El director francés Michel Gondry, decide documentar la fiesta desde la logística de preproducción , que involucró la búsqueda del lugar indicado, en un barrio frente a una vieja y bizarra casa llamada “Broken Angel” habitada por una pareja blanca de weirdos casados por 40 años y con una historia muy peculiar , al lado del ejército de salvación y una fabrica de muebles.

Increíble trabajo cinematográfico sobre todo para los amantes del Hip Hop y la música negra.
http://www.chappellesblockparty.com/

Wednesday, January 13, 2010

Estetica del Ruido #8...Música para Motines


Woody Allen

“El viaje de la literatura es como el de Ulises no tiene retorno”
Roberto Bolaño

Dedicado a la literatura y a Parra por su cumple…

Lectura poema "Dos cuerpos Frente a Frente" Octavio Paz
Fragmentos: Gomorra , Roberto Saviano , edit.Debate

Track/Artist/Cd/Label
“Square wave(Pulse)”/The Mad Capsule Markets/OSC DISC(oscillator in distortion)/Victor Invitation
“Chaos Step”/The Mad Capsule Markets/010/Victor Invitation
“Spring will be a little late this year”/Rashan Roland Kirk/ Finest Hour/Umvd labels
“Anarchy in the UK”(Sex Pistols cover)/The Ukulele Orchestra of Great Britain/The ukulele orchestra of Great Britain proms/no label
“Cinema dub trio”/Trio Noctambul/Trio Noctambul/independiente
“Non ce Pirdunu”/Diego/La musica Della mafia:Omertá,Onuri y Sangu/Phantom sound and vision
“Freestyle beatbox”/Rahzel/Rahzel/no label
“Truck”/The Octopus Project/Hello Avalanche/Peek-A-Boo records
“Doteyes”/Tortoise/ It's All Around You/ Thrill Jockey
“A minha menina”/Os Mutantes/Everything is possible:The best of Os Mutantes/Luaka Bop
“Psychastenie”/ Serge Gainsbourg /Les annes Psychodelyches 1966-1971/
“Khebar”/ Bar Khokba/Zevulun/Tzadik
“Ets Hayyim”/ Cracow Klezmer band /Bereshit/Tzadik

Tuesday, January 12, 2010

The Polaroid Freak Team













"Un largo pie desnudo sobre mi boca,un largo pie contra el corazón, eres mi sed,mi fiebre, pie de whysky,pie de vino,pie obsesionado por aplastar..."
Georges Bataille

El fabuloso "Polaroid Freak Team" ,en medio de la sutil línea entre lo erótico y lo pornográfico en uno de mis formatos favoritos...

http://poladroidfreakteam.tumblr.com/

Thursday, January 7, 2010

Mary and Max (Adam Elliot 2009)






“God gave us relatives…thank god we can choose our friends”
Ethel Momford

Love yourself first…
Mary Daisy Dinkle, es una niña australiana que gusta de tomar leche condensada, oler a su gallo mojado y ver su caricatura favorita los Noblots , por su parte Max Jerry Horowitz, es un hombre solitario de 44 años que vive en la ciudad de New York, con problemas de sobrepeso y también fanático de ver los Noblots
Un buen día la pequeña Mary se pregunta ¿Cómo nacerán los niños en America? y decide mandarle una carta a alguien que viva en ese país, encontrando la dirección de Max y comenzando una gran amistad por correspondencia.
Estupendo largometraje animado con un estilo obscuro al estilo Burton y excelente guión, basado en un hecho real.


http://www.maryandmax.com/

Wednesday, January 6, 2010

Estetica del Ruido #7...Música de Cabaret


Nick Cave

"La pérdida de control es una manera realmente de hacer hallazgos"
Gus Vand Sant

Dedicado a las pasiones humanas y a mi hermana por su cumple je...

Lecturas:Poemas “Sueño para el invierno”, “Sensación” Arthur Rimbaud,
Poema: Julio Cortazar

Track/Artist/Cd/label
“Good enought for granddad”/Squirrel nut zippers/best of Squirrel nut Zippers/Fontana Mammoth
“Cabaret d¨ overture”/Ben Charest/ The Triplets of Beleville soundtrack/Higher Octave
“La vals d Amelie” /Yann Tiersen /Amelie soundtrack/Virgin records
“Blue rondo a la turk”(Dave Brubeck cover)/ The Ruins/In his own sweet way a tribute to Dave Brubeck/jasrac
“Jazz it at home”/Birdy Birdy Nam Nam/Birdy Birdy Nam Nam/ Uncivilized World
“Suspended”/Firebrand boy/Micromusic mixtape 2/netlabel compilation
“On target”/Nullsleep/Micromusic mixtape 2/netlabel compilation
“N/JZ/ BM” /Derek Bailey & Dj Ninj/ guitar &drum and bass/Jasrac
“Open the gate”/Toshinori Kondo& Dj Sahib/ Nerve Tripers/ DIW records
“Taverna dels tencioactius”/Cabo San Roque/Música a Máquina/independiente
“Where Pathways Meet”/Sun Ra /Lanquidity/Evidence

Tuesday, January 5, 2010

Sunday, January 3, 2010

Tokio Ga (1985 Win Wenders) … El cine de Yasujiro Ozu





Yasujiro Ozu

Win Wenders

“Lo que llamamos el espíritu no se puede explicar a nadie”
Yuuharu Atsuta (director de fotografía de Yasujiro Ozu)

Al cine, por hacerme respirar todos los días...


Un cinéfilo y director alemán admirador de las películas de un genio director cinematográfico japonés , que magistralmente durante mas de treinta años contó fragmentos de la historia de su país de forma representativa, es solo parte de lo que es este increíble documental.

El cineasta de origen alemán Win Wenders, viaja hasta una de las ciudades mas caóticas y maravillosas del planeta, Tokio, para encontrase con el contexto de las películas de uno de los mas grandes directores japoneses de todos los tiempos, Yasujiro Ozu, películas que formaron su quehacer cienmatográfico.

Tokio Ga (1985) no es solo una radiografía del trabajo del mítico director japonés , es un encuentro con un Japón diferente , el cual Wenders poco a poco va descubriendo.La importancia de este trabajo es al igual que la de “Lightning over water” (sobre los últimos días del director Nichotas Ray), una pequeña forma de tributo del alemán a sus influencias.

En este documento en particular, Wenders se preocupa por tomar una polaroid del entorno(los grupos rockabillies japoneses,los grupos de baile, el patchinko o los niños jugando al baseball), platicar con su gran amigo Werner Herzog y destapar un poco de la sociedad japonesa mediante algunas imágenes de la vida cotidiana , enriquecido por entrevistas con algunos personajes cercanos a Ozu.

La primer película de Yasujiro Ozu que pude ver fue Tokio Story, drama de una familia de clase media que involucra el viaje de los abuelos y todas sus vicisitudes.

Definitivamente Yasujiro Ozu se ha convertido en uno de mis directores favoritos, sus películas se asemejan más a la problemática cotidiana que envuelve el poder de decisión del ser humano, desde sus primeros trabajos en el cine mudo , pasando por el blanco y negro , hasta el retrato de un Japon a color y moderno.El cine de Ozu es un cine de secuencias largas, pocos o casi nulos movimientos de cámara y mucha sustancia, en una idea de mostrar a la sociedad clasemediera japonesa de forma muy particular y cercana, visión que ha influido en una gran cantidad de directores en todo el mundo entre los que se encuentran Jim Jarmusch o el mismo Wenders.

A Yasujiro, le gustaba trabajar con personas que no fueran actores, este es el caso de Chishû Ryû actor fetiche del director , personaje recurrente en las películas de este oriental que nunca estudió actuación, es por ello que tenía que trabajar el doble que los demás actores, asombrosamente interpretaba personajes de edades mucho mas avanzadas a la de él. El mismo Ryû comenta que cuando el tenía 20 años tuvo que interpretar a un personaje de 60.

En este documental , Wenders platica con el asombroso director de fotografía de Ozu quién lo acompañó durante mas de 30 años y con quién compartió gran parte no solo de su vida cinematográfica , Yuuharu Atsuta comenzó como ayudante de cámara del director japonés y un buen día él fue el que se encargó de hacer la fotografía en gran parte de las películas, para Atsuta , Yasujiro Ozu fue mas que solo un jefe o un maestro o un amigo , fue un alma gemela al que le debía gran parte de su vida, el trabajar con él fue todo para este cinefotógrafo , tanto que al morir se sintió muy solo.

El trabajo fotográfico de Ozu es muy interesante, ya que solía filmar a centímetros del suelo a la altura de la vista de un ser humano sentado en el piso y casi siempre utilizaba un lente de 35mm, al no haber tripiés que tuvieran la altura que requería tuvo que crear uno, esto hacía el director de fotografía se mantuviera recostado sobre el suelo para poder mirar por el view finder de la cámara.Cada vez que Ozu colocaba la cámara para cada toma, quedaba prohibido tocarla o moverla un centímetro era vital cuidar que la toma permaneciera tal y como el la había planeado,

Un tipo osco ,que no gustaba de filmar en locaciones exteriores,salvo en los trenes los cuales en las tomas nunca fueron truqueados, callado, discreto, así fue Yasujiro Ozu en palabras de los que lo conocieron.Tokio Ga no es mas que la visión del trabajo de un genio retratado por otro genio.

http://www.imdb.com/video/screenplay/vi3724345625/
http://www.a2pcinema.com/ozu-san/home.htm
http://www.wim-wenders.com/movies/movies_spec/tokyoga/tokyoga.htm
http://www.imdb.es/name/nm0040916/
http://www.imdb.com/name/nm0654868/